La tela del poder: Cuando el Estado quiso vestir a sus súbditos

 A lo largo de la historia de España, desde los austeros salones y estrados de El Escorial hasta los ilustrados gabinetes y saletas del Madrid de Carlos III, el Estado mantuvo una obsesión constante: controlar los cuerpos de sus ciudadanos a través de la tela que los cubría. Dos episodios, separados por casi dos siglos —las leyes suntuarias de los Austrias y el fallido proyecto de "traje nacional" de 1788—, revelan un paralelismo tan claro como significativo. No se trata de meras anécdotas sobre moda, sino del mismo proyecto político aplicado en contextos distintos: la utilización de la indumentaria como herramienta fundamental para definir, congelar y hacer visible un orden social jerárquico e inmutable. Es la misma idea clasista, tejida con los hilos del poder absoluto. 

El objetivo inquebrantable: Congelar la jerarquía 

El propósito central de ambas iniciativas era idéntico: impedir cualquier atisbo de movilidad social que pudiera leerse en la apariencia. Para el Estado del Antiguo Régimen, que una burguesa adinerada pudiera confundirse a simple vista con una dama de sangre noble era una amenaza al orden natural de las cosas. 

Los reyes Austrias abordaron este desafío mediante la prohibición. Sus pragmáticas suntuarias eran un denso catálogo de "noes": los no nobles no podían vestir sedas, terciopelos, encajes de oro o plata, ni lucir joyas reservadas a la hidalguía. La ley actuaba como un dique, conteniendo las aspiraciones de quienes, habiendo ascendido en riqueza, pretendían traducirla en prestigio visible. Era una legislación reactiva, diseñada para marcar límites infranqueables. 

Un siglo y medio después, el proyecto borbónico de 1788 abordó el mismo problema desde el extremo opuesto: la prescripción. En lugar de dictar lo que la gente no podía usar, pretendía decretar exactamente lo que la élite femenina (las "Grandes de España" y familias de altos cargos) debía vestir. Su autora, M.O., ofrecía tres modelos jerárquicos —la lujosa "Española", la moderada "Carolina" y la sencilla "Borbonesa"— cuyo propósito confeso era "evitar la confusión" de estamentos. Era una ley proactiva, un manual de instrucciones para que la cúspide de la pirámide social luciera su posición de manera codificada e inconfundible.

 

La máscara de la economía y la moral 

Para legitimar esta intromisión en la esfera personal, tanto los Austrias como los reformistas borbónicos esgrimieron argumentos prácticos y morales casi calcados. 

La justificación económica fue primordial. Las leyes de Felipe IV, como la Pragmática de 1627, buscaban frenar la ruina de las familias y proteger la industria textil nacional —esencialmente, la lana castellana— de la competencia extranjera. Sorprendentemente, el "Discurso sobre el luxô de las señoras" de 1788 repite este guion palabra por palabra. Su gran bandera era el proteccionismo ilustrado: había que dejar de comprar modas francesas que "arruinaban" al reino para fomentar "nuestras Fábricas y Artesanos". En ambos casos, el ahorro nacional y el estímulo económico servían de coartada perfecta para una medida de control social. 

Del mismo modo, ambos sistemas apelaron a un discurso moralizante y patriótico. Los Austrias vinculaban el lujo excesivo a la vanidad pecaminosa, contraria a la gravedad de la monarquía católica. El proyecto de 1788 prometía liberar a las mujeres de las "ridiculeces" de la moda extranjera, imponiendo una elegancia "digna" y nacional. Si Felipe II había hecho del negro un símbolo de poder imperial, los ilustrados invocaban el "amor a la patria" para crear un traje que "caracterizase la Nación". Vestir según la norma se convertía, así, en un acto de virtud cívica y lealtad política. 

El Hilo Continuo del Control 

El paralelismo entre estas dos épocas demuestra una verdad histórica profunda: para el Estado español premoderno, la indumentaria fue siempre un lenguaje de poder. Ya fuera mediante la prohibición austriaca o la prescripción borbónica, el objetivo último era el mismo: utilizar la apariencia como un código legible e inmutable que reflejara y garantizara el orden social. 

El fracaso del proyecto de 1788, rechazado incluso por la conservadora Junta de Damas, es tan revelador como su concepción. Señala el límite de un sistema que, en su afán por regular hasta el último detalle de la vida, chocó contra la complejidad de la sociedad y la fuerza de otras identidades en auge, como la del majismo popular. Sin embargo, este intento fallido confirma que la lógica suntuaria —esa obsesión por vestir los cuerpos según un plano maestro del poder— no murió con los Austrias. Simplemente se puso el traje de la Ilustración y habló el lenguaje de la nación, persiguiendo el mismo sueño antiguo: una sociedad donde cada cual ocupara, para siempre, el lugar que su ropa pregonaba. 

Pedrete Trigos 

España se recrea a sí misma: la corte de Felipe IV y el Siglo de Oro

Querido lector de mis entretelas y mis entrepaños, aprendiz de sastre y cómplice silencioso en la trastienda de la historia: 

Si el vestir de Felipe II fue la arquitectura severa de un imperio en su cénit, el de la corte de su nieto, Felipe IV (1621-1665), fue su dramático y espléndido decorado final. Nos adentramos en el corazón del Siglo de Oro, un periodo de paradojas deslumbrantes: mientras la hegemonía política y militar se resquebrajaba, el arte y la elegancia cortesana alcanzaron una estilización tan extrema, tan teatral y tan profundamente española, que no tuvo réplica posible en ninguna otra corte europea. Esta fue la hora del Barroco: un estilo donde la decadencia se vistió con la más deslumbrante de las máscaras. 

La Gran Paradoja: El Escenario del Declive 

Para entender la moda de este reinado, debemos comprender primero su escenario. El siglo XVII fue para la Monarquía Hispánica un tiempo de "crisis": guerras interminables, bancarrotas recurrentes y pestes. Sin embargo, en medio de este desgaste, la corte de Madrid se convirtió en el faro cultural de Europa. Bajo el mecenazgo de un rey melancólico y amante de las artes, florecieron Velázquez, Calderón y Lope de Vega. En este contexto, la indumentaria dejó de ser solo un símbolo de poder para convertirse en un acto de afirmación identitaria. Fue la respuesta estética a una pregunta política: ¿cómo se representa la grandeza cuando la fuerza material decae? La respuesta fue una puesta en escena de solemnidad inigualable, un "uniforme" de rígida belleza que proclamaba: la esencia del imperio es inmutable, aunque su fortuna decline. 

La Silueta Barroca: Rigidez Teatral y Expansión Visual 

La evolución de la moda española hacia su máxima expresión barroca se aprecia en tres transformaciones capitales, que alejaron para siempre el estilo de sus orígenes herrerianos. 

La primera fue la muerte de la lechuguilla. Aquel cuello blanco y rizado, emblema del siglo anterior, fue sustituido por la golilla. Esta era una pieza rígida, plana y blanca, hecha de cartón o pergamino forrado de lienzo fino, que se ataba al cuello. Más que un adorno, era una arquitectura para el rostro. Enmarcaba la cara como un retablo, obligando a un porte altivo y contenido, eliminando cualquier gesto espontáneo del cuello. En los retratos de Velázquez, la golilla es el marco que dignifica y aísla la expresión serena y distante de reyes y validos, convirtiéndolos en íconos de autoridad. 

La segunda transformación, quizá la más espectacular, fue femenina: el triunfo del guardainfante. Si el verdugado de Felipe II ahuecaba la falda en forma de cono, el guardainfante del XVII la expandía de manera lateral, creando un volumen desmesurado a la altura de las caderas. Esta estructura de aros o ballenas, a menudo comparada con los arbotantes de una catedral, no buscaba la gracia natural. Buscaba presencia y espacio. Una dama con guardainfante reclamaba literalmente su lugar en la sala, su movimiento era ceremonioso y lento, y su figura se convertía en una escultura móvil, un monumento a la ostentación y al honor familiar que había que proteger. 

La paleta de colores, aunque mantenía el negro como eje, se suavizó. Aparecieron los colores de medio luto: los grises plateados, los pardos, los morados oscuros y los verdes austeros. Eran tonos que, bajo la luz de las velas en los salones del Alcázar, adquirían una profundidad aterciopelada y misteriosa. El lujo ya no estaba (solo) en el costosísimo tinte negro, sino en la calidad sobria de los tejidos —terciopelos, damascos, rasos— y en la finura de los adornos contenidos: pasamanería de plata, gorgueras de encaje de Flandes.

 

La Última Ley: Pragmáticas en un Mundo de Ficción 

Felipe IV, paradójicamente, fue el rey que más y más severas pragmáticas suntuarias dictó, intentando frenar el gasto desmedido en vestuario. Prohibió bordados de oro y plata, limitó los tejidos suntuosos e incluso reguló el tamaño de las golillas y los guardainfantes. Pero estas leyes, repetidas una y otra vez, son la prueba de su fracaso. La corte, y la nobleza que la imitaba, había entendido que, en un imperio en retirada, la apariencia era el último bastión de la preeminencia. Vestir "a la española" era un acto de fe en la permanencia de un orden, una lealtad estética que sustituía a la eficacia política. 

Así, la moda de la corte de Felipe IV no fue un estilo más. Fue la coreografía final de un mundo. Un artefacto cultural tan específico, tan cargado de significados políticos y religiosos, tan radical en su rechazo a la comodidad y a la frivolidad, que resultó intraducible para las demás cortes. Mientras Francia empezaba a imponer la seducción, el movimiento y el color, España se atrincheró en la solemnidad geométrica. Fue el canto del cisne de una forma de entender el poder: no como dinamismo, sino como representación inmutable; no como vida, sino como arte. Una lección de estilo en el crepúsculo de un imperio. 

Pedrete Trigos 

El origen: El vestuario cortesano de Felipe II y la forja del "traje a la española"

Querido lector de mis entretelas y mis entrepaños, aprendiz de sastre y cómplice silencioso en la trastienda de la historia: 

Hubo un tiempo, difícil de imaginar hoy, en que la elegancia europea no miraba a París o Milán, sino que seguía con devoción el compás marcado por los sastres de la corte de Madrid. Este es el relato de cómo, bajo el largo reinado de Felipe II (1556-1598), nació y se consagró el "vestir a la española", un fenómeno donde la indumentaria dejó de ser mero adorno para convertirse en la arquitectura visible de un imperio. 

El Poder Viste de Negro: Una Elección Estratégica 

La hegemonía política de la monarquía hispánica, aquel vasto territorio donde "nunca se ponía el sol", fue el fértil suelo donde germinó esta moda. Vestir "a la española" se convirtió en un gesto cargado de intención, un símbolo de adhesión y aspiración en las cortes desde Praga hasta Londres. Y en el centro de este sistema de poder, como su emblema más potente, reinaba un color: el negro. 

Pero este negro no era cualquiera. No era el color del luto o la devoción popular, sino el negro de la Gran Majestad. Su adopción masiva fue posible gracias a un tesoro proveniente del Nuevo Mundo: el palo de Campeche, una madera mexicana que proporcionaba un tinte de una intensidad, profundidad y estabilidad nunca vistas en Europa. Conseguir y mantener ese "ala de cuervo" perfecto era carísimo, lo que transformó el color más austero en el lujo máximo. Felipe II no solo lo vestía; lo recomendaba expresamente como el color que confería mayor autoridad. Era la cromática de la unidad y el poder omnímodo. 

La Anatomía de un Estilo: Rigidez, Geometría y Control 

El traje español de la época era una ingeniería textil destinada a moldear el cuerpo y proyectar una imagen inquebrantable. Para hombres y mujeres, la silueta se construía sobre la rigidez. 

Los hombres parecían "metidos en un estuche". La prenda principal era el jubón, una especie de chaqueta acolchada y entretelada que ceñía el torso con una severidad de origen militar, limitando los movimientos para imponer una postura erguida y contenida. Bajo él, las calzas (un antecedente del calzón) cubrían los muslos, a menudo con "cuchilladas" o aberturas que dejaban ver la tela interior de colores contrastados. 

En las mujeres, la monumentalidad era la norma. El volumen del vestido se conseguía con estructuras interiores como el verdugado, una armadura cónica de aros que daba forma de campana a la falda, y el cartón de pecho, una rígida placa que aplanaba y ocultaba el busto. Eran siluetas arquitectónicas, compuestas de "volúmenes netos que se yuxtaponen de manera angulosa, drástica". 

El único destello de luz en este conjunto oscuro lo proporcionaba la lechuguilla. Este cuello alto, blanco y almidonado, de pliegues perfectos que recordaban a una lechuga rizada, era una pieza de una complejidad y costo enormes. Enmarcaba el rostro como un relicario y obligaba a un porte aún más altivo, convirtiéndose en el sello inconfundible del noble español. 

Más que Moda: Un Reflejo de la Mentalidad de una Época 

Para entender plenamente este estilo, debemos mirar más allá del guardarropa y fijarnos en la gran obra de Felipe II: el monasterio de El Escorial. Esta construcción grandiosa, severa y geométrica, desprovista de la sensualidad decorativa de otros palacios, es la clave. El "traje a la española" es el Escorial portátil. La rigidez del jubón y la solemnidad del negro no eran solo estética; eran la expresión textil de los valores de la Contrarreforma: austeridad, disciplina, gravedad y una devoción casi monacal. 

La indumentaria se transformó así en un instrumento de control social. A través de pragmáticas reales, el propio Felipe II legisló esta austeridad para combatir el gasto excesivo en vestuario y, sobre todo, para marcar un orden moral donde la apariencia exterior reflejara la jerarquía y la compostura interior. En la España del Siglo de Oro, el vestido decía quién eras, o al menos, quién pretendías ser. 

Así nació el "traje a la española". No de un capricho pasajero, sino de la poderosa conjunción de un imperio en su cénit, una tecnología tintórea revolucionaria y una visión del mundo que buscaba en la forma exterior la expresión de un ideal de poder, fe y orden. Fue la primera, y quizá la única, vez que España dictó la ley de la elegancia a toda Europa, vistiendo de negro y de solemnidad el esplendor de su Siglo de Oro. 

Pedrete Trigos